Recursos del entorno

Naturaleza

La naturaleza en sí no es arte, pues siempre detrás de una obra de arte debe haber una intencionalidad y un propósito. Sin embargo, la naturaleza ha sido desde siempre una inspiración para todo artista ya que puede transmitir diversas emociones. Se puede decir que la naturaleza ha sido siempre un punto de referencia para el arte pues compone el entorno que nos rodea. La propia naturaleza nos ofrece muchos recursos y nos sirve para la representación, pues partimos de ella. Desde el origen se ha dado un interés por representar y plasmar la realidad y es por ello que la fotografía fue un gran avance. Esta nos ofrece muchas posibilidades par jugar con ellas. Ejemplo: encuadre.

La naturaleza nos posibilita materiales naturales para usarlos en cualquier tipo de composición artística. Son además gratuitos por lo que debemos promocionarlos como una forma de luchar contra el consumismo. La creación de catálogos de imágenes pueden ser también muy útiles y si en el propio aula contamos con un armario donde archivar materiales mucho mejor. 

Los recursos digitales como por ejemplo Google Maps, son interesantes para buscar nuevas formas artísticas ya que nos permite viajar a lo largo del curso.

Materiales de desecho

Profundizando en el campo del anticonsumismo nos encontramos con la reutilización de materiales de desecho que nos pueden abrir muchas puertas. Estos ayudan también para desarrollar la percepción y nos pueden servir por ejemplo para construir como hemos hecho nosotros con las máscaras. Podemos acotar los usos que queremos darle y así focalizar nuestras acciones hacia algún punto. Trabajar el concepto y la intención es muy importante. Nos pueden servir como útiles o para la creación artística.

Hoy en día, hay grandes basureros que degradan el medio natural en el que vivimos. Hay muchos artistas que recurren a esos desechos para hacer arte como vemos en la imagen anterior.

La arquitectura

Se trata de un tema muy poco tratado en la educación en general y es algo que es de notable importancia pues nos afecta directamente. Las cuestiones de urbanismo son importantes: ¿Cómo evoluciona la arquitectura? ¿Cómo se expanden los centros históricos respetando lo que ya había? ¿Cómo están ubicadas las cosas dentro de la ciudad? ¿Cómo se produce la expansión?... Es muy útil para la comprensión de la geometría, la perspectiva, interpretación de planos... también podemos intervenir en el espacio habitado transformándolo en expositor que sirva para mostrar lo que hacemos. Hay muchas webs que están actualizando muchos conceptos arquitectónicos.

Debemos comprender que la arquitectura es un arte que además está habitado por lo que es aún más importante para nosotros. 

Debemos desarrollar el sentido crítico en la construcción de obras púbicas en nuestro entorno. Hacer debates sobre temas candentes puede ayudar a los alumnos a conectar con la realidad.

Objetos

Los objetos nos pueden servir para el análisis de la representación que hacemos. La representación de objetos del entorno ha estado presente en la historia de la humanidad. Dichos objetos cada vez evolucionan más y surgen distintos diseños, usos de diferentes materiales... Hay que crear conexiones entre el espacio, los materiales, los distintos elementos que lo componen... 

El diseño es donde más ímpetu se pone tanto en el entorno comercial como en el publicitario. 

Imágenes del entorno

Trabajar en el aula con los códigos puede ser algo muy fructífero. Las señales de tráfico son un ejemplo. Volvemos a señalar que la intencionalidad es importante y sobre todo el encontrar el sentido a las cosas y a as obras. El entorno nos brinda muchas posibilidades y debemos estar sensibilizados para sorprendernos de forma no causal. Así mimo, el saber discernir entre imágenes callejeras que estén integradas en el entorno y aquellas que lo ensucian y afean. Es el caso de los graffitis cuyos precursores fueron en un primer momento eran unos vándalos que pintaban los vagones del metro. Sin embargo crearon obras muy curiosas y actualmente valoradas. 

- Un graffitero muy importante actualmente es Banksy, artista muy comprometido y crítico con la sociedad. Muchas de sus obras con famosas y conocidas e interviene en espacios públicos determinados con ciertos objetos creando la crítica.

Actualmente a evolucionado hacia la performance. Ha llevado a cabo acciones muy polémica como entrar en diferentes museos a colgar algunas de sus obras. Podéis consultar la noticia en el siguiente enlace y obtener más información:

El mundo- Banksy se cuela en distintos museos de Nueva York

- Hassan Musa es otro artista que transforma ciertas obras en otras haciendo uso de distintos objetos del entorno.

Debemos reflexionar sobre ¿qué es arte?, ¿qué es vandalismo?, ¿qué tiene respeto al entorno?, ¿qué tiene gusto?...

El caligrafiti es una nueva tendencia que aún no está muy desarrollada que consiste como su propio nombre indica, en una mezcla entre caligrafía y graffiti. La caligrafía es el arte de escribir y hay muchas tipografías distintas que abres muchas posibilidades. Debemos entender que hay muchas formas de escritura y muchas culturas diferentes por lo que es un campo en mi opinión interesante.

Por último, quiero terminar haciendo referencia a las salidas del centro escolar que tienen tres fases e implican una planificación y un desarrollo. Como en muchas ocasiones va a haber visitas que van a ser de imposible realización con nuestro grupo de clase, existen muchos recursos como visitas interactivas a museos y monumentos históricos que podemos trasladar al aula. Dejando constancia de la existencia de este tipo de recursos concluyo la entrada de hoy. ¡Hasta la próxima!

Las vanguardias del S.XX: Expresionismo Abstracto

Buenas tardes queridos lectores, hoy vamos a meternos de lleno en el tema de la vanguardias artísticas que surgieron durante el siglo XX. En concreto, nos vamos a centrar en el Expresionismo Abstracto, pues es un estilo que me llama especialmente la atención y además es el que hemos seleccionado para el desarrollo de nuestra Unidad Didáctica. Lo que pretendo es daros unas pocas pinceladas sobre este estilo y sobre todo, ofreceros una idea general sobre el mismo para que lo conozcáis un poco mejor. 3,2,1... ¡Empezamos!

¿Qué son las Vanguardias?

Las artes acuñaron el término vanguardia para nombrar las nuevas tendencias que se opusieron desde finales del siglo XIX al academicismo tradicional. Armándose poco a poco con una nueva estética revolucionaria, un puñado de artistas enfilaron en contra de lo establecido, de las instituciones, la tradición, sus lenguajes y formatos, del pasado y sus grandes maestros. El arte encontró en lo opuesto de lo bello un camino rico e inexplorado y se lanzó a recorrerlo.

En 1909 Filipo Tomaso Marinetti lideró uno de los primeros movimientos artísticos del siglo, el Futurismo, y escribió el primer manifiesto para consignar el espíritu y los ideales de su movimiento. En adelante cada nueva vanguardia que se iba gestando vino con frecuencia respaldada en un manifiesto; los postulados de cada una pueden haberse cumplido o no históricamente, pues eran ideales, pero lo cierto es que permitieron esparcir como semillas las nuevas ideas estéticas. Entre las primeras vanguardias estaban el fauvismo, el expresionismo, el cubismo, el neoplasticismo, elconstructivismo, el dadaísmo, la escuela metafísica y el surrealismo.

Expresionismo abstracto

Como ya hemos dicho, en esta entrada en concreto nos centraremos en el estilo denominado Expresionismo y ¿qué mejor forma de comenzar a hablar de él que con un par de obras representativas?

Obra de Kandinsky

Cuadro de Jackson Pollock

El expresionismo abstracto surge en EE. UU. a principios de los años 40 y adquiere su máximo desarrollo a comienzos de los 50. Es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Los autores dan rienda suelta a su imaginación, por lo que no aceptan la copia fiel de las formas. Este movimiento se caracteriza por no aceptar las formas, estas pinturas se suelen plasmar en lienzos grandes sin límites dentro del cuadro del mismo y pintados con la técnica del óleo. Los colores predominantes eran el negro o el blanco, combinados con los colores primarios como el amarillo, el azul y el rojo.

Las claves sobre las que se asienta el expresionismo abstracto son las siguientes:

1. Ausencia de toda relación con lo objetivo.
2. Ejecución totalmente espontánea.
3. Valoración de lo accidental.
4. Lo que importa es el proceso o acto de pintar más que el contenido.
5. Predominio del trazo gestual en expresiones de gran virulencia y dinamismo.
6. Empleo de manchas y líneas con ritmo.

En este contexto, adquiere importancia el término de "Action Painting" que es una tendencia diferenciada del expresionismo. El centro de interés de la action painting es el gesto o movimiento de pintar, llamada también «pintura gestual» por la primacía que dio al procedimiento pictórico en sí. Se hace del acto de pintar un gesto espontáneo. Es un tipo de automatismo que plasma el estado físico y psíquico del pintor. Esta técnica pictórica, intenta expresar mediante el color y la materia del cuadro sensaciones tales como el movimiento, la velocidad y la energía.

Destacan artistas como Jackson Pollok, Wilem de Kooning, Kandinsky, Mark Rothko o Barnet Newman, entre otros, marcan los distintos caminos. Desde una tendencia fundamentalmente gestual y apasionada, basada en el gesto de pintar como la de Pollock, hasta otra más tranquila, resuelta en capas superpuestas de pinturas que crean nudos de colores como la de Rothko. Se considera a líder de este movimiento o iniciador del mismo a Arshile Gorky (1904-1948), armenio exiliado a Nueva York desde 1925. Recibe la influencia del surrealismo y sirve de puente entre la pintura europea de entreguerras y la escuela norteamericana.

Jackson Pollock

El action painter por antonomasia es Jackson Pollock (1912-1956), a quien se considera el primer pintor que asimiló la formación pictórica de Gorky. Se le relaciona con el surrealismo en la medida en que su obra pictórica se basa en el «automatismo», en una escritura automática que pretende reflejar los fenómenos psíquicos que tienen lugar en el interior del artista. Entre 1938 y 1942 trabajó para la WPA (Works Progress Administration) y pintó bajo la influencia de Picasso, el surrealismo y el psicoanálisis jungiano que usó como terapia contra su alcoholismo. Pollock extendía la tela, normalmente sin tratar, sobre el suelo, y corría o danzaba a su alrededor y dentro de ella, derramando la pintura de manera uniforme. Pollock no trabajaba sobre el lienzo sino, muchas veces, metido en él. 

En efecto, no trabajaba la tela con utensilios tradicionales como el pincel o la espátula, sino mediante la técnica del dripping. Aunque a veces se le señala como inventor de la misma, lo cierto es que se considera que ya fue empleada por el surrealista Max Ernst. Lo que sí puede afirmarse es que la popularizó de tal manera que el dripping se asocia inmediatamente a la obra y persona de Jackson Pollock. En el  dripping, la materia pictórica (que no suele ser óleo, sino algún tipo de esmalte opaco o barniz industrial) se deja gotear sobre la tela extendida en el suelo desde un contenedor agujereado o se esparce mediante salpicaduras, directamente con las manos o mediante el uso de pinceles o cualquier otro instrumento.

Mark Ronthko

Pintor ruso que emigró en 1913 a los Estados Unidos. Se le considera un autodidacta, ya que estudio solo un corto periodo en la Universidad de Yale no llegando a terminar la carrera de arte. En el año 1925 inició su carrera como pintor en Nueva York.

Aplica una pintura muy ligera en dos o tres rectángulos de contornos suaves, que llena la tela cada vez con más formatos de mayores dimensiones, consiguiendo gracias a la utilización de las aguadas texturas transparentes, una atmósfera brumosa frente al espacio visible de la tela como un espacio ilusorio y profundo.

Vasili Kandinski

Fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, se considera que con él comienza la abstracción lírica. pese a no ser un artista propio del expresionismo abstracto, me parece importante mencionarlo pues cuenta con obras muy interesantes y conocidas.

El desarrollo de Kandinsky hacia la abstracción encuentra su justificación teórica en "Abstracción y empatía" de Wilhelm Worringer, que se había publicado en 1908. Worringer argumenta que la jerarquía de valores al uso, basada en las leyes del Renacimiento, no es válida para considerar el arte de otras culturas; muchos artistas crean desde la realidad pero con un impulso abstracto, que hace que las últimas tendencias del arte se den en sociedades menos materialistas.

Kandinsky, al igual que Piet Mondrian, estaba interesado también en la teosofía, entendida como la verdad fundamental que subyace detrás de doctrinas y rituales en todas las religiones del mundo; la creencia en una realidad esencial oculta tras las apariencias, proporciona una obvia racionalidad al arte abstracto.

Otros referentes y obras del movimiento

Otros artistas que destacaron fueron los siguientes:

- Willem de Kooning (1904-1997)

- Arshile Gorky (1904)

- Mark Tobey (1890-1976)

- Robert Motherwell (1915-1992)

- Hans Hofmann (1880-1966)

- Philip Guston (1913-1980)

- Esteban Vicente (Español,1903-2000)

- Fredy Holzer

Fredy Holzer

Fredi Holzer

Gorky

Lacayo Deshon

Hans Hofmann

Con estas obras termino la entrada de hoy. Sé que es un arte al que no estamos acostumbrados y nos puede resultar raro y feo en algunas ocasiones si bien ofrece muchas posibilidades y da lugar a la imaginación, por lo que es un estilo perfecto para la Unidad Didáctica que hemos diseñado y queremos llevar a cabo.

Sin nada más que añadir me despido de vosotr@s. ¡Espero que os haya gustado! 

¡Un saludo!

Naturaleza, arte y reivindicación

EL GERNIKA DE ZILBETI

¡Buenas tardes a tod@s! Así como en los primeros pasos de este blog compartí con todos vosotros imágenes del bosque de Oma, donde pintura y naturaleza se funden, hoy quiero dedicar esta entrada a una manifestación artística parecida. Se trata del Gernika pintado en los árboles del hayedo de la localidad navarra de Zilbeti. 

Como podemos ver, la famosa obra de Pablo Picasso queda plasmada a la perfección en este pequeño bosque sirviéndose de distintas hayas. En este caso, la obra tiene propósitos reivindicativos ya que pretende protestar contra el proyecto minero que pone en peligro el susodicho bosque. Se trata de una iniciativa de los vecinos del pueblo y de las asociaciones Coordinadora Monte Alduide y SEO/BirdLife que ven en el cuadro de Picasso "un símbolo de las consecuencias de la opresión , pero también un símbolo de esperanza, como refleja la lámpara que brilla dentro del mismo", y eso es lo que quieren reflejar. 

Cabe destacar que el cuadro ha intentado ser saboteado en alguna ocasión con sprays de pintura aunque vecinos y organizaciones no desistieron en su propósito y lo volvieron a restaurar. Las dimensiones de la obra en este caso son de 25 metros de ancho por 15 de alto y ocupa una superficie de unos 40 metros. 

Lo que más interesante me parece de esta obra es cómo consiguen a partir de árboles de distintas dimensiones y superpuestos en muchos casos, que se vea como un todo. Es muy importante la perspectiva empleada y es por ello que me parece increíble. A continuación os dejo fotos del mirador desde donde se puede contemplar la obra completa como un todo.

Por último, os dejo con el proceso de realización de esta obra en el bosque que podéis ver en este breve vídeo que muestra a distintas personas trabajando conjuntamente en el mismo. 

Un saludo y ¡hasta la próxima!

RETÓRICA VISUAL

¿Qué es?

 La retórica visual consiste en la aplicación de tropos y figuras retóricas del lenguaje a la comunicación visual mediante la creación de imágenes. La retórica siempre se ha centrado en estudiar cómo utilizar el lenguaje de forma efectiva. Generalmente, se utiliza para persuadir, influir o agradar. Los efectos de persuasión tanto en el texto como en la imagen se logran por una conjunción de efectos producidos por figuras retóricas que se refuerzan mutuamente.

Los recursos retóricos son las figuras o tropos literarios que usa la poesía para crear imágenes, provocar sensaciones y, en definitiva, introducirnos en el mágico espacio de la creación. Se trata de representaciones que dan un sentido figurado, no denotativo.

Es por ello que a continuación vamos a profundizar un poco en estos recursos y en la configuración y composición de distintas imágenes dirigidas a persuadir mediante una información implícita.

Recursos retóricos en las imágenes

En la retórica visual publicitaria, agrupamos los recursos retóricos en cuatro grupos diferentes: 1) Figuras de adjunción, 2) figuras de supresión, 3) figura de supresión y 4) figuras de intercambio como podemos ver en el siguiente esquema:

•   SÍMIL O COMPARACIÓN: Expresa de una manera explícita la semejanza entre dos ideas valiéndose de las partículas como y cual.

•  REPETICIÓN: Esta figura se presenta como un recurso utilizado para la construcción de imágenes mediante adición. La repetición (mismo elemento) puede relacionarse con la acumulación (diferentes elementos) en una misma expresión comunicativa. Puede presentarse como emparejamiento al reproducir un elemento dos veces o como gradación al repetir un elemento mostrando una evolución.  

• ANTÍTESIS: contrapone dos ideas o pensamientos; es una asociación de conceptos por contraste. El contraste puede ser por oposición de palabras (antónimos), frases de significado contrario, etc.

•   HIPÉRBOLE: Consiste en exagerar las cosas aumentando o disminuyendo la verdad de lo que se dice.

• METÁFORA: Es una identificación de un objeto con otro con el que establece una relación de semejanza.

• PERSONIFICACIÓN: Consiste en atribuir habilidades o cualidades humanas a animales u objetos inanimados (algo concreto o abstracto), a lo que se hace hablar, actuar y reaccionar como si fuera una persona.

• ELIPSIS: Suprime elementos de la frase (si perjuicio de la claridad), dotándola de brevedad, energía, rapidez y poder sugestivo. O sea, es una idea que no está completa y que el lector tiene que inferir.

• SINÉCDOQUE: Tipo de metonimia basada en una relación cuantitativa: el todo por la parte, la parte por el todo, la materia por el objeto.

• METONIMIA: fenómeno de cambio semántico por el cual se designa una cosa o idea con el nombre de otra, sirviéndose de alguna relación semántica existente entre ambas. Son casos frecuentes las relaciones semánticas del tipo causa-efecto, de sucesión o de tiempo o de todo-parte.

• CIRCUNLOQUIO: Rodeo de palabras para decir algo que se podía haber dicho de forma más breve.

•  ALEGORÍA: Tema artístico que pretende representar una idea valiéndose de formas humanas, animales o de objetos cotidianos.

• PERSONIFICACIÓN: Relación de semejanza que hay entre dos o más cosas.

Estas son las figuras retóricas más comunes empleadas en el lenguaje de la imagen, como podemos ver, mayoritariamente publicitaria. Espero que esta entrada os haya servido para entender un poquito mejor todos esos pequeños matices que se esconden tras las imágenes y que sin duda no son casuales, sino que tienen una intencionalidad clara. 

Con esto, me despido por hoy. ¡Un saludo!