"LA VIDA ES DEL COLOR DE LOS OJOS QUE LA MIRAN"

lunes, 18 de mayo de 2015

BODEGÓN

A continuación os presento el proceso de elaboración de un bodegón que hice con mi padre y hermana. Lo presento en una secuencia de 3 pasos resumidos de forma que no sea muy pesado y sea más visual y esquemático. ¡Vamos allá!:

1.                  Encaje general, con líneas de conexión, líneas de movimiento y ejes.




2.                  Línea sensible y valoración básica.




3.                  Trabajo final acabado.



Comentario sobre lo que fue la experiencia


Al principio de todo creía que no iba a ser capaz de hacerlo. Ver un folio en blanco me seguía intimidando un poco y además pensaba que no iba a saber hacer las formas y las sombras. Nunca me había enfrentado a algo así en mis clases de plástica. Así que esta era la primera vez que tenía que hacerlo.

 Sin duda alguna con una de las cosas que más disfruté fue con la elección del escenario a representar. Tenía claro lo que quería incluir en el bodegón pero no sabía cómo colocarlo de la mejor forma, para que luciese más. Una vez decidido esto me puse con la lámina en blanco a buscar el lugar donde iba a colocar cada uno de los elementos y sus proporciones. Realicé los ejes correspondientes y me puse manos a la obra realizando, al comienzo, formas geométricas. Una vez finalizado este paso realicé los contornos de las formas y me puse a localizar las sombras.

Creía que esta iba a ser la dificultad más fuerte con la que me iba a encontrar, pero la verdad es que no fue así. Una vez me dijeron “hay que saber mirar las cosas” y esto es cierto. Muchas veces miramos furtivamente las cosas, no prestamos la suficiente atención y esto es algo que no debemos hacer en nuestras composiciones porque, de esta forma, no descubrimos la esencia de ellas. Al aprender a mirar de esta otra forma, más detallista, comprendí que si que podía reconocer las sombras y que, por tanto, las podía plasmar en mi dibujo. El paso siguiente era utilizar el difumino y esto también me sirvió mucho porque nunca lo había utilizado. Me acompañé de este instrumento y de la goma para difuminar las sombras y crear un efecto más sombreado, por una parte, y de una pequeña luminosidad por otra.

            Cuando finalicé mi dibujo el sentimiento que obtuve fue el de una gran satisfacción por haberlo podido terminar y también por el resultado conseguido.

!Hasta la próxima!


LAS CARICATURAS

Una caricatura (del italiano caricare: cargar, exagerar) es un retrato que exagera o distorsiona la apariencia física de una persona o varias, en ocasiones un retrato de la sociedad reconocible, para crear un parecido fácilmente identificable y, generalmente, humorístico. También puede tratarse de alegorías. Su técnica usual se basa en recoger los rasgos más marcados de una persona (labios, cejas, etc.) y exagerarlos o simplificarlos para causar comicidad o para representar un defecto moral a través de la deformación de los rasgos, en tal caso es una forma de humor gráfico.


“Figura ridícula en la que se abultan o recargan
  y pintan como deformes y desproporcionadas
      las facciones de alguna persona.”


Puede parecer extraño, a primera vista, la concepción de la caricatura como arte, no obstante, la caricatura es un tema más interesante de lo que a primera vista pueda parecer. Ya Azorín escribía en 1913 a propósito del humorismo: “El capítulo de eutrapelia, del divertimento espiritual es sumamente importante en la historia del desenvolvimiento humano; haciendo la historia de la ironía y del humor, tendríamos hecha la sensibilidad humana y consiguientemente la del progreso, la de la civilización. La marcha de un pueblo está en la marcha de sus humoristas”


La caricatura ha sido desde el comienzo de la historia un tipo de representación exagerada de unos personajes o de unos hechos con el fin de poder trasmitir un mensaje, una idea, la mayoría de veces sarcástica sobre una cuestión determinada. Es por este motivo que desde siempre, el hombre recurrió a realizar una serie de trazos bien expresivos, bien simbólicos, pero tremendamente simples con los que trasmitir ideas por medio de las imágenes y así llegar a un mayor número posible de espectadores a los que convencer de tales ideas.

La exageración de la realidad, la esquematización y deformación de rasgos expresivos ha sido una constante en el arte, pues incluso en las civilizaciones y culturas más primitivas, en la realización de máscaras y esculturas para sus ritos religiosos utilizan una estética de rasgos desnaturalizados para representar a sus dioses. En la cultura de occidente, los ejemplos más antiguos se encuentran en el arte rupestre y en las primeras expresiones del arte románico. Sin embargo, la caricatura se ha utilizado a lo largo de toda la historia, desde los egipcios, pasando por los griegos y romanos hasta el Renacimiento (con la aparición de la imprenta).

¿Caricaturas en el arte contemporáneo?


El arte del s. XX muestra una estética caricaturesca: las señoritas de Avignon de Picasso, la metamorfosis de Kafka, La conjura de los necios, las esculturas de Giacometti, los cuadros de Francis Bacon…Son muchas las obras artísticas modernas las que nos acercan en mayor o en menor grado a la esencia de la caricatura basada en la deformación de los rasgos humanos. El movimiento del expresionismo es una de las tendencias que más ha estado ligada al término de la caricatura. El término en sí mismo quizá no sea muy adecuado, pues no existe arte que trate de expresar una idea o sentimiento. La caricatura siempre ha sido expresionista, pues el caricaturista juega con la apariencia de su modelo, y la trastoca para expresar precisamente lo que piensa acerca de ella.

La caricatura es sobre todo un estilo mordaz y critico propio de la modernidad. El estilo grotesco es un género clásico que ha sido representado por artistas como Leonardo da Vinci, o incluso en Goya en sus grabados y pinturas negras. La caricatura se diferencia sobre todo en que su estilo trata de captar de manera inmediata la crítica hacia un personaje sin ningún tipo de matización o ambigüedad.

Pese a la importancia del tema, somos conscientes que treinta años atrás no se hubiese aceptado ni el título ni tema como objetivo de un artículo científico por el mundo académico, y que incluso hoy, superado ya el escándalo, no faltarán quienes se pregunten ¿Es Arte el humor gráfico?. Hace años se negaba porque sólo se admitían las llamadas Artes mayores, Arquitectura, Escultura y Pintura, así, por orden de tamaño y peso, y las relegadas a segundo plano como artes menores, industriales aplicadas o decorativas (nunca se pusieron de acuerdo en los adjetivos todos impropios), como cerámica, esmalte, orfebrería, etc. Por fortuna esto ya está superado y el Arte es hoy mucho más y acoge aspectos que antaño se excluyeron como pobres y hasta vergonzantes. Como dice el profesor Carlos Cid, si se toma la palabra Arte en su etimología de algo bien hecho, con esmero y gracia, qué duda cabe que el humor tiene su lugar en él. Y no es válida la objeción de que es imposible poner el chiste de un periódico a la altura del Partenón o de La Primavera de Botticelli, nadie lo pretende, porque los objetos heterogéneos son incomparables y no son lícitas las escalas de valor entre ellos. 

Todo es Arte, pero pretender tales vecindades y evaluaciones sería tan absurdo como cotejar una ballena azul y un pino mediterráneo y averiguar cual es el más valioso, lo que no niega que ambos sean seres vivos e importantes de maneras diferentes en sus clases.


DAUMIER
No sólo en el arte de la pintura ha habido una influencia de la caricatura, sino también en el teatro y en el cine. En el teatro, sin ir más lejos, la presencia de la caricatura se muestra en los personajes satirizados de la commedia dell’arte, donde destaca el personaje de Arlequín. El cómic, el cine y la fotografía son también géneros que han sido tratados en el arte pictórico y en su nuevo soporte han alcanzado otra comprensión y percepción distinta al interactuar su lenguaje formal con el de la pintura. Han sido muchos artistas de los años 70 y 80 los que han adaptado elementos de estos géneros en sus obras, como por ejemplo Kitaj, Equipo crónica, Lichtenstein y Gerard Ritcher. La autentica caricatura tanto en el pasado como en la actualidad ha estado ligada a cuestiones políticas y sociales, dos artistas relevantes en estos aspectos fueron Honoré Daumier y Toulouse Lautrec. 

Para finalizar, comentar que la caricatura ha sido un tema que ha levantado controversias en muchos casos por tener fines jocosos. Un ejemplo famoso sería el de las caricaturas del profeta Mahoma. Véase ej.:http://www.lavanguardia.com/internacional/20150504/54430388245/dos-muertos-en-texas-en-una-competicion-sobre-caricaturas-de-mahoma.html 
El debate sigue abierto, y ¿tú qué opinas?, ¿las ves ofensivas?

Con esto me despido, ¡buenas noches!

DAUMIER























Vanguardias a través de dos artístas destacados



  ¡Buenas noches a todo@s! Como considero que ya hay excesivas entradas tratando las distintas vanguardias artísticas en los blogs de mis compañeros, he decidido tratarlas a través de aquellos autores más representativos de cada estilo que más me gustan. No obstante, os animo a que os paséis por otros blogs para descubrir en qué consisten, pues hay muchas entradas muy trabajadas y completas.


1)  Andy Warhol. Este autor es uno de los máximos influyentes del Pop (popular) Art. En su obra utiliza elementos cotidianos de nuestra vida diaria. Posiblemente, por este motivo, resulte tan cercano a las personas que se acercan a sus obras. Además se da cuenta de las posibilidades que tiene la fotografía, el collage y el assemblage. Para este tipo de autores lo importante es el objeto en cuestión ya que mediante este último se critica a la cultura de masas, a la sociedad americana y también a la del consumo.


De toda su obra, la parte que más me interesa es la que tiene que ver con los collages. En este tipo de composición lo que se persigue es la idea acabada, el final y esto se consigue mediante una mezcla de fotografías, dibujos, pinturas (como se observa en la imagen). Los elementos físicos no aparecen demasiado destacados ya que lo que importa es la visión de conjunto que conforman: la imagen final. Para hacernos una pequeña idea de lo que significó la obra de Warhol, veamos este video:


Finalizamos este apartado con una de las frases de Warhol que aparece en el video: “No tengo memoria, cada día es un día nuevo porque no puedo recordar el día anterior. Cada minuto es como el primer minuto de mi vida”. Intentemos que nuestras composiciones también sean como las del primer día. De manera que nos introduzcamos en la composición con ojos inocentes y abiertos a cualquier cosa que pueda surgir. De esta forma no habrá nada que nos podrá condicionar y conseguiremos que nuestras obras sean reflejo de nosotros mismos y de nuestra realidad tanto física como interior. Para más información, consultar el siguiente enlace:


2)    Edvard Munch (Expresionismo alemán): Es un autor que ve en el mundo que le rodea una fuerza vital y es, precisamente, esa fuerza vital la que pretende recoger en su obra. Todo esto lo recoge Munch en un manifiesto que escribió titulado ‘El manifiesto de Saint Cloud’: “Ya no se deben pintar interiores con hombres leyendo y mujeres cosiendo. Deben ser pinturas sobre seres humanos reales que respiran, sufren, sienten y aman. Me siento obligado –sería fácil– a pintar una serie de estos cuadros: en ellos es preciso entender lo sagrado. La carne y la sangre tomarían forma, los colores cobrarían vida”. Mientras que el autor conoce formas nuevas para expresar su arte, los periódicos empiezan a decir de él que ‘insulta el arte’, que es un arte degenerado.













Pero lo que realmente me interesa de este autor es la forma que tiene de expresar los paisajes que rodean al elemento principal. Existen varias versiones (creo que cuatro) de este cuadro que tenemos en la imagen: ‘El Grito’. La primera de ellas la realizó con tempera y pastel sobre tabla, la siguiente con litografía y posteriormente, la siguiente con óleo. Todo el mundo, al ver este cuadro, se centra en el protagonista que aparece en el primer plano pero lo que acompaña a este personaje también guarda su importancia y es lo que a mi me interesa en este momento. Los colores que aparecen en este cuadro están muy bien definidos y reflejan la expresión máxima que el autor quiere darle a su obra. Excepto los colores del cielo (naranjas), los demás tienden a ser colores más apagados que reflejan el mundo interior del protagonista. Ese contraste de colores tan fuerte que existe entre el cielo (naranja) y el lago (azul) nos sitúa ante una realidad hostil para el espectador que hace que, su primera reacción, sea la de alejarse.
 

A continuación os adjunto un enlace de interés donde podéis obtener más información:
(http://ultimorender.com.ar/funkascript/expresionismo/index_analisis.htm)

domingo, 17 de mayo de 2015

Arte HOME MADE

Buenas chic@s!

La entrada de hoy va dedicada a esas chapucillas artísticas que tenemos por casa de las cuales he hecho una pequeña recopilación. Todas ellas están hechas por mi padre, profesor y educador desde hace muchos años y a quien admiro mucho. Siempre ha sido el manitas de casa y esto ha acompañado a su profesión por supuesto. A lo largo de su vida laboral ha elaborado muchos materiales, en su mayoría didácticos y con gran valor pedagógico, para sus alumn@s y es por ello que le doy tanto valor, pues siempre le he visto dedicándose íntegramente a su vocación hasta el día de su jubilación.

 Sus mayores genialidades no os las puedo mostrar, ya que como es obvio se quedaron en los centros donde trabajó a disposición de todos. Entre ellos destacan una maqueta de relieve topográfico de Navarra, Comunidad Foral de donde provengo, hecha con capas de cartón solapadas de una forma precisa y minuciosa para respetar las proporciones. También ha hecho multitud de disfraces: astronauta, Willy Wonka, tigre, samurai... para carnavales y festivales de navidad. Así mismo, destacan la reconstrucción de los huesos de una pata de jamón, el cráneo de un tiburón para utilizar como explicación en sus clases, la disecación de algún animal con el mismo propósito... Todos ellos trabajos minuciosos y que requieren mucha paciencia, lo que yo hoy en día no me veo capaz de hacer.

Entre las obras que aún conserva, he rescatado algunas de ellas para mostrároslas a continuación. Muchas de ellas están realizadas con materiales reciclados y naturales, por lo que su valor en la enseñanza aumente, en mi opinión. Son las siguientes: 

  • Barco tallado de madera de boj: Sin duda una de sus obras más costosas y bonitas. Toda la pieza esta tallada a navaja al igual que los pequeños detalles como los caños que fueron hechos uno por uno. Se trata de un galeón con escotillas, cañones, mástiles, timón, velas... Todo, como he dicho en madera salvo las velas y cuerdas que las cosió a mano y las implantó en el conjunto.





  • Castillo con materiales reciclados para enseñar la distribución de los castillos medievales. Aunque no se precie, la bandera tiene detalles de la bandera del castillo de Javier, fortaleza muy bien conservada e importante en Navarra que se encuentra cerca de nuestra localidad de residencia. Podéis buscarlo fácilmente en Internet.




  • Réplica del midillón que está debajo del conteo en la Iglesia de Santiago (Sangüesa), pueblo donde trabajaba.


Proceso...



  • Cabezudo payaso de arcilla, miniatura de un cabezudo (personaje que se saca en las fiestas patronales para perseguir a los niños) de la zona navarra.



  • Marioneta de bruja realizada con papel de cocina y cola diluida. Manos de madera y ropa de tela:





  • Coche de carreras de cartón:



Esto es todo por esta entrada, aunque espero poder mostraros más cosas de este tipo, cosa que a kilómetros de distancia es algo difícil. Es una pena que sus mejores obras no estén por casa aunque al fin y al cabo, son más útiles allí donde se encuentren, pues pueden ayudar a facilitar el aprendizaje a las nuevas generaciones de alumnos. Con esto me despido,

¡Un saludo!


¡Todos los personajes acabados!

A estas alturas de curso ya podemos afirmar que hemos terminado las máscaras de nuestros personajes. Además, ya hemos grabado el cuento haciendo uso de las mismas y por lo tanto en breves podréis verlo en alguno de los blogs de los componentes de mi grupo. Sin más dilación, paso a presentaros a los personajes de los que hablo:
  • Lusian de bebé: Lusian es nuestro personaje principal, pero pasa por distintas etapas conforme va creciendo y los hechos del cuento van sucediendo. Este primer modelo, representa a nuestro personaje de niño:


  • Lusian de niño en la escuela: Conforme va creciendo, nuestro personaje adquiere el siguiente aspecto consevando los cuernos pero cambiando de color. 



  • Lusian adolescente con orejas: Después del hechizo del mago Druido, los cuernos de Lusian se transforman en orejas y cambia su aspecto de esta forma:


  • Lusian rey de mayor: Una vez que alcanza la mayoría de edad, Lusian es coronado rey de su reino y le ponen la corona de su padre Jaka.


  • Crintoria: Es la madre de Lusian y la que domina las acciones de su hijo durante l mayor parte del cuento Se caracteriza por su largo pico y sus malas intenciones. Tiene el siguiente aspecto:



  • Druido: Mago de la corte que practica extraños conjuros en su cueva del bosque. Es el consejero de Crintoria y el responsable de la sustitución de los cuernos de Lusian por orejas.


  • Taco: Mejor amigo de la infancia de Lusian. Es un excavador con un poderoso taladro por boca. Pertenece a una familia minera humilde y no puede hablar. Tiene este aspecto y será una pieza clave en el argumento:


Estos son todos los personajes que intervienen en el cuento que podéis leer en este mismo blog en entradas precedentes. Espero que os gusten y un saludo.